Dans la Chaleur de... (la nuit) Collioure et de Padern, notre Papy Ciné s’est échiné pour éclairer nos petites lanternes de cinéphiles. Qu’il en soit remercié au nom de la défense et de la promotion du 7^e Art qui, en notre vieux pays gaulois, soufre d’une profonde désaffection...

« Les devoirs de vacances de Cinépapy – été 2022 - VI »

Aujourd’hui c’est « Les Films » 

La liste suivante rassemble les films qui ont marqué l’histoire du cinéma en utilisant de nouvelle technique , en modifiant une façon de faire, en rompant avec un style par exemple.

Cependant, on ne commencera pas par le début avec ses chefs-d’œuvre, muets, en noir et blanc et/ou fortement marqués par leur époque.

Il faudrait une fiche spéciale pour essayer d’y voir clair . On se contentera de les citer parce qu’ils ne doivent quand même pas manquer à l’appel mais sans plus (Il s’agit de devoir de vacances et non d’une quelconque punition infligée à un Cinépapy qui n’y peut mais.) Nous avons donc :

Intolérance 1916 de D.W.Griffith USA – Le Cuirassé Potemkine 1916 de Sergueï Eisenstein Union Soviétique – Le Mécano de la Générale 1926 de Buster Keaton USA – L’Aurore 1927 F.W.Murnau USA – Métropolis 1927 de Fritz Lang Allemagne – Les Lumières de la ville 1931 de Charlie Chaplin 1931 USA – L’Atalante 1934 de Jean Vigo France

Commençons :

L’impossible monsieur Bébé             1938           de Howard Hawks – 

USA – Comédie burlesque N&B

Après avoir été boudé par le public ce film est devenu le modèle du genre

La Règle du jeu                           1939            de Jean Renoir – 

France – Comédie frivole/Tragédie élégante – Pals *

La règle du jeu est celle de l’élite sociale et impitoyable. D’un égoïsme aveugle, tourné avant une guerre en devenir. En s’inspirant de la pièce de Marivaux « Les Caprices de Marianne » d’Alfred de Musset, Renoir, lucide, voulait illustrer la remarque « Nous dansons sur un volcan » Reconnu, universellement comme un des dix plus grand film de l’histoire du cinéma et le préféré de Cinépapy

* Polémique à la sortie 

Citizen Kane                                1941            d’Orson Welles – 

USA – N&B – Pals 

Une révolution dans la manière de faire un film. Tout le génie de Welles dans tous les domaines , inspiration, technique, découpage etc. Comme pour « la Règle du jeu » il fait parti de la liste des dix meilleurs films où il doit occuper la première place. Idem pour Cinépapy qui le place à égalité avec « La règle du jeu ». Pour lui, une scène d’humour irrésistible : quand Kane, en costume de soirée écharpe blanche et chapeau claque, pique un quadrille , au petit matin, avec l’équipe de « l'Inquirer » dont il vient de prendre possession.

Rome ville ouverte                          1945              de Roberto Rossellini 

Italie – N&B – Documentaire 

Les film de Rossellini illustrent l’atmosphère de l’époque autant dans l’histoire racontée que celle du tournage. On cède à une étrange mélancolie. 

Chantons sous la pluie                  1952              de Stanley Donen et Gene Kelly 

USA – Comédie musicale

Choisir ce film c’est un peu faire insulte à Fred Astaire et Ginger Rodgers et/ou Cyd Charisse qui ont précédé Gene Kelly tout aussi magistral cependant.

Stanley Donen a débuté à Broadway avant de devenir , à Hollywood, un grand cinéaste talentueux dans tous les genres.

Voyage à Tokio                     1953           de Yasujiro Ozu 

Japon – N&B – Mélodrame 

Une œuvre qui fait partie d’une trilogie avec « Printemps tardif » 1949 et « Eté précoce » 1951. Elle traduit l’occidentalisation de la famille japonaise. Le film se caractérise par une manière particulière de filmer : caméra pratiquement immobile, ce sont les acteurs qui entrent ou sortent du cadre. L’objectif est situé à hauteur d’œil d’une personne assise sur un tatami qui parle ou qui écoute.

Les Sept Samouraïs                        1954              de Akira Kurosawa 

Japon – N&B – Drame d’époque

C’est l'œuvre qui a fait de Kurosawa le cinéaste japonais le plus connu au niveau international. Ce film qui n'a cessé de s'amplifier au fur et à mesure de sa réalisation a recours à d'importantes techniques mêlant travelling, ralenti et/ou montage invisible ou encore profondeur de champ. Il est à l'origine d'innombrables copies et remakes

La Complainte du sentier (Pather Panchali) 1955   de Satyajut Ray 

Mélodrame historique- N&B

C'est le premier grand film à émerger de l'Inde indépendante. Il a contribué à définir le style et les préoccupations du mouvement cinéma parallèle. Satyarit Ray a été l’assistant de Renoir, pour lui fournir des sites  quand ce dernier tourna, en Inde, « Le fleuve » 1951

La Prisonnières du désert                  1956           de John Ford 

USA – C – Western 

Un des films emblématiques de la longue carrière de John Ford. Dans ce film Ford reconnaît que la cruauté des colons ne valait pas mieux que les indiens. Mais, jusqu'à l'apparition du western spaghetti il incarne la vision classique de l'Ouest avec comme arrière-plan spectaculaire « Monument Valley »

Sueurs froides                      1958           d’Alfred Hitchcock 

USA – C – Triller psychologique

Il est difficile de choisir entre les nombreux et si différents films de Sir Alfred. Ce film est considéré comme un des plus grands films jamais réalisés . Il transgresse des règles du thriller en études troublantes sur l'obsession et le désir . Hitchcock a produit un chef-d'œuvre profondément troublant, sans doute son film le plus complexe et le plus déstabilisant

Certains l’aiment chaud                1959              de Billy Wilder – 

USA – C – Comédie romantico-loufoque

On pardonnera à ceux qui ne se souviennent plus, que voulez vous personne n’est parfait, de la dernière réplique à condition qu’ils n’oublient jamais l’ appréciation définitive d’Alfred Hitchcock sur Billy Wilder

A Bout de souffle                       1960           de Jean Luc Godard 

France – N&B – Art et essai – Nouvelle vague

Le drame policier de Jean-Luc Godard d'une inventivité à couper le souffle a ouvert la voie à une nouvelle génération de cinéastes et à révolutionner les règles du métier. Avec « le beau Serge » 1958 de Claude Chabrol et les « Quatre cents coups » 1959 de François Truffaut ces trois films sont à l'avant-garde de la Nouvelle Vague

La Dolce Vita                         1960           de Federico Fellini 

Italie – N&B – Art et essai – Pals 

Encore un film pouvant être rangé parmi les 10 meilleurs films de l'histoire du cinéma. En tout cas c'est le classement personnel de Cinépapy. Ce film a obtenu la palme d'or pour la mise en scène. Federico Fellini a ainsi connu un succès international qui a permis de lancer un nouvel âge d'or du cinéma italien. Il a été suivi par « Huit et demi » 1963 autre film racontant l'extravagance de l'élite romaine thèmes de prédilection de Fellini.

Ses autres films tout aussi intéressants n'atteignent pas la dimension de ces deux chefs-d'œuvre. C'est ce qui permit au Canard Enchaîné, lors de la sortie de « Juliette des esprits » 1965 : « Dieu que Fellini avait du génie quand il n'avait que du talent »

L’Avventura                           1960           de Michelangelo Antonioni

Italie – N&B – Art et essai - Pals

Ce film explore les tourments existentiels des classes privilégiées d'Italie thème de prédilection d’Antonioni. Son style original mais quelque peu intellectuel fait de longues prises avec peu de dialogue et une action qui se perd dans diverses directions désarçonne les spectateurs

L’Ange exterminateur                   1962             de Luis Bunnuel

Mexique – N&B – Art et essai

Narration simple traitée de manière surréaliste. Les films de Bunuel sont toujours teintés d’un certain humour. Il a fuit, aux Usa et au Mexique le régime de Franco. Tant outre Atlantique qu’en France, par la suite, ses films connaitront un succès mérité faisant du metteur en scène un des grands du monde du cinéma et reconnaissable au ton sardonique pris pour illustrer, pardon, caricaturer la bourgeoisie.

Cléo de 5 à 7                           1962           d’Agnès Varda

France – N&B – Mélodrame 

Il s’agit du deuxième film d’Agnès Varda. Il prend déjà en compte un de ses thèmes de prédilection : la représentation des femmes dans la société.

La Bataille d’Alger                    1966           de Gillo Pontecorvo

Italie/Algérie – N&B – Documentaire/propagande

Film exceptionnel d’une équipe : musique, entre autre, d’Ennio Morricone, directeur de la photographie Marcello Gatti qui «  marque la réalité à la culotte » au point que pour sa sortie aux USA l'ajout un avertissement public indiquant que les images n'étaient pas réelles. La force de ce film reste cependant entière. En 2003 le Pentagone a présenté le film au gradé américain qui allait partir en Irak afin de leur donner une idée du type de résistance auquel il pouvait s'attendre.

Persona                            1966           d’Ingmar Bergman

Suède – N&B – Art et essai

Bergman a fait du cinéma et du théâtre son univers qu’il illustra de film de mise en scène d’écriture, ou se mêlent fiction et éléments de sa vie personnelle point. Soixante ans d’une production ininterrompue dont beaucoup, par la suite, se sont inspirés.

Au hasard Balthazar                1966           de Robert Bresson

France – N&B – Art et essai/documentaire

Les Italiens ont eu Antonioni nous avons eu Robert Bresson qui ne faisait pas du cinéma mais du cinématographe. Ses films sont élégamment mais fortement moralisateur mais sans donner de leçon. Il souhaitait que ses acteurs, de préférence des non professionnels, jouent le moins possible et adopte un ton neutre. Problème .C’est que pour ne pas «  jouer » il faut savoir le jouer et le ton neutre et un ton qui n’est pas naturel et, là encore, seul un bon acteur est capable de le faire. Il finit, après avoir fait, prises sur prises, pour tenter d’obtenir ce qu’il voulait entendre de l’acteur, par les faires doubler.

Il était une fois dans l’Ouest       1968             de Sergio Leone

Italie/Usa – C – Western spaghetti

Le film qui confirma la mise au rencart du western traditionnel. Aidé de la musique d’Ennio Morricone et des contre-emplois pour casser les codes ( Henri Fonda en méchant !) Leone a créé un genre qui fit beaucoup d’émules.

2001 l’Odyssée de l’espace                  1968           de Stanley Kubrick

USA – C – Science-fiction

Une œuvre stupéfiante tant sur le plan des idées que la forme. On n’a pas fini de déchiffrer les images et les thèmes proposés autant que la manière dont ils nous sont proposés.

Dans le même esprit, pourquoi 2001 alors qu’avant le changement de millénaire on ne parlait que de l’an 2000 ? Le XXIIème siècle commence t’il le 01/01/2000 ou 01/01/2001 ? 

Le Conformiste                    1970           de Bernardo Bertolucci

Italie – C – Art et Essai

Un film difficile mais génial d’un grand metteur en scène qui utilisa l’architecture fasciste de

Mussolini. On note la présence de Jean Louis Trintignant qui fit une grande partie de sa carrière en Italie. Bertolucci a très fortement influencé le cinéma hollywoodien de la fin des 1960 et début des années 1970

Aguirre, la colère de Dieu                   1972           de Werner Herzog

Allemagne – C – Péplum

On oublierai presque la performance et le résultat que fut le tournage de ce film tant l’affrontement de cet acteur caractériel puissance deux et Werner Herzog personnalité majeure du nouveau cinéma allemand

Tous les autres s’appellent Ali          1974           de Rainer Werner Fassbinder

Allemagne – C – Mélodrame

Un cinéaste prolixe et efficace . Ce film a été tourné en deux semaines par quelqu’un qui n’a cessé de dénoncer le politikement korekt de l’Allemagne mercantile ou l’on se réjouissait qu’au lieu de manger du pain avec de la saucisse comme après guerre on pouvait aujourd’hui, manger de la saucisse avec du pain. L’homosexualité était un thème récurrent dans son œuvre.

Mort à 37 ans il avait, à cette date, produits plus de quarante films et/ou séries télévisées et cela en quelques seize ans.

Les dents de la mer                         1975             de Steven Spielberg

USA – C – Blockbuster

Annonce le succès planétaire de Spielberg qui, avec « Duel » son film de fin d’étude montrait déjà ce dont il pouvait être capable. Spielberg est le metteur en scène affichant la plus grande réussite commerciale de l’histoire du cinéma. On peut faire la fine bouche mais ne boudons pas notre plaisir, on passe souvent un bon moment.

Jeanne Dielman,                       1975            de Chantal Ackerman

(23, quai du Commerce,1080 Bruxelles)

Belgique – C – Art et essai féministe

Ce film se veut  le portrait de la vie quotidienne d’une mère célibataire. Il constitue l’un des premiers grands films féministes. Sa manière de traiter le temps a eu une influence sur le travail d’autre réalisateur.

Taxi Driver                             1976           de Martin Scorcese

USA – C – Thriller psychologique

Ce film est considéré comme le des plus aboutis de son époque. Le drame existentiel de Martin Scorsese et est un aperçu brutal et dérangeant du monde vu par un vétéran du Vietnam pour le moins déséquilibré. Scorcese fut l'un des plus importants cinéastes qui émergea le nouvel Hollywood dans les années 1970. Les films suivants confortaient sa position de meilleur cinéaste américain de sa génération.

Apocalypse Now                         1979            de Francis Ford Copppola

USA – C – Guerre/antiguerre

Coppola a dit de son œuvre : « mon film n'est pas sur le Vietnam, il et le Vietnam. »

Avec les deux premiers films de la série le parrain Coppola reposait un parfait mélange de réalisations classiques et d'un style plus pointu. À part : « Conversations secrètes » 1974 la suite de son œuvre n'ont malheureusement pas confirmé la virtuosité de ses premiers films

Stalker                              1979            d’Andreï Tarkovsky

Union Soviétique –C – Art et Essai/science fiction

Film où se croisent Art et essais et cinéma de genre comme la science fiction . Un guide emmène de visiteurs dans un lieu d'accès restreint connu sous le nom de Zone. Mise en scène ambitieuse, belle est une approche elliptique et poétique de la narration. Désarçonnant.

Blade Runner                       1982           de Ridley Scott

USA – c – Science fiction

Une façon bien à lui d’utiliser la lumière par un Ridley Scott qui venait de la publicité. Des effets spéciaux géniaux par Douglas Trumbull qui a également travaillé sur « 2001, l’Odyssée de l’espace » 1968 .Avec , en prime, une influence sur d’autre film et la conception de jeux vidéo ou encore de concevoir le futurisme.

Blue Velvet                             1986           de David Lynch

USA – c – Mélodrame/horreur - Pals

Le réalisateur propose ici une Amérique « rock malienne » ou d'utopie, où se cache noirceur et pourriture. Le résultat point d'interrogation une œuvre cauchemardesque, surréaliste et transgressive. La carrière de Lynch passe du succès d’  « Éléphant Man » 1980 à l’échec de « Dune » 1984. C'est aujourd'hui l'un des films américains les plus admirés des années 1980.

Do the Right Thing                          1989             de Spike Lee

USA – c – Ghetto

C’est le portrait incendiaire et influent de l'intolérance raciale dans l'Amérique des années 1980 point il a annoncé l'émergence d'une importante nouvelle vague de cinéastes africains- américains. Spike Lee est l'une des voix les plus engagés passionnés du cinéma contemporain est le plus important cinéaste africain–américain de sa génération.

Close-Up                           1990           d’Abbas Kiarostami

Iran – C – Art et essai/cinéma lent là et la vie se confonde dans ce récit du cinéaste iranien de la nouvelle vague Abbas Kiarostanmi. Close-up est un docu-fiction tourner en persan et portrait d'un homme qui prétend être l'un des plus grands cinéastes du pays.

Reçu négativement par la critique iranienne, Close-up est aujourd'hui considérés comme l'un des films les plus perspicaces sur le cinéma.

La leçon de piano                      1993            de Jane Campion

Nouvelle Zélande/Australie/France  - C

Art et essai/historique  

Vue par une femme dont cela va devenir un thème favori : illustrer le déséquilibre entre les genres tout au long de l’histoire comme de manière plus contemporaine .Le tout, au travers de techniques cinématographiques propres. Une des rares femmes à avoir obtenu une nomination aux Oscars et la première à avoir obtenu une Palme d’or à Cannes.    

Pulp Fiction                          1994           de Quentin Tarentino

USA – C – Gangster

Un révolution dans le cinéma que l’apparition de Tarentino avec ce film qui suit cet ovni que fut « Réservoir Dog » 1992. « Pulp Fiction » a consacré Uma Thurman en tant que star et  d’accéder au premier rang pour Samuel.Jackson. Ila permis un beau comme back pour Bruce Willis et John Travolta

Tout sur ma mère                      1999           de Pedro Almodovar

Espagne – C – Mélodrame

L’apothéose pour un cinéaste dont la carrière illustre ce que fut la « Movida » mouvement de contre culture qui pris naissance à la mort de Franco. Oscar mérité pour ce film.

Beau Travail                                1999           de Claire Denis

France – C – Art et essai/guerre

Film aux images envoutantes comme tout au long de son œuvre . Elle reprend l’histoire de  « Billy Budd, marin » d’Herman Melville qu’elle transpose sur la cote ensoleillée de Djibouti.

Par sa manière d’aborder la sexualité Omni présente chez ses personnages Clair Denis s’apparente au mouvement « New French Extremity » Une très belle collaboration avec sa directrice de la photographie Agnès Godard.

In the Mood for Lowe              2000          de Wong Kar Wai

Hong Kong – C – Mélodrame

Avec cette merveille éblouissante et enchanteresse on complète la liste de Cinépapy des plus grands films de l’histoire du cinéma. Pour lui, une séduction et un ravissement égale que lors de la vision d’autre merveille comme « La Dolce Vita »  1960 et/ou « Huit et demi » 1963

Lost in Translation                          2003             de Sofia Coppola

USA – C – Mélodrame

Fabuleuse représentation par Sofia Coppola de ce que peut être la dérive de personnes en terre étrangère. Une espèce de road movie nocture limité a quelques quartiers de Tokio. Sofia Coppola n’explique ni ne dit jamais rien. Elle nous met dans la situation de ses personnages quelques peu bâillonnés par la barrière de la langue. Une extraordinaire composition de Bill Muray qui donne l’impression de n’être jamais là mais, faisant contre mauvaise bon cœur, se

prête au jeu.

Moolaadé                               2004          de Ousmane Sembène

Sénégal/France – C – Mélodrame

Une femme d’un village du Burkina Faso s’oppose à une pratique barbare. Ainsi est mis en lumière l’impact de la modernité sur les valeurs traditionnelles et prône l’égalité entre les sexes

There Will Be Blood                       2007              de Paul Thomas Andersen

USA – C – Mélodrame/Western

Des parallèles peuvent être établies entre ce film et l’esprit de « Citizen Kane » 1941. Deux œuvres qui illustrent la démesure américaine. Il reprend le style narratif de Max Ophûls et/ou des films choraux d’Altman pour dresser le portrait de la cupidité esprit de la classe supérieur américaine de l’époque. Notons également le jeu «  éblouissant » de cet acteur controversé Day Lewis totalement raccord avec la démesure illustrée.

Moonlight                              2016           de Barry Jenkins

USA – C – Mélodrame/race

Récit du parcours d’un jeune Africain-Américain de l’enfance à l’âge adulte abordant les questions de sexualité, de harcèlement, de dépendance aux drogues .

Roma                                 2018           de Alfonso Cuaron

Mexique/Usa – N&B – Mélodrame

La jeunesse du cinéaste racontée au travers du regard d’une servante de famille.

Trois Oscars ( meilleur réalisateur , meilleure photographie et meilleur film en langue étrangère.

Remarque :

Les commentaires sont quelques fois personnels. Le plus souvent inspirés et/ou issus 

de la « Petite histoire du Cinéma » de Ian Haydn Smith – Flammarion éditeur . 

Les amateurs les plus exigeants y trouverons de quoi satisfaire leur curiosité et pourront pointer les emprunts

Clin d’œil !

Après la première guerre, des mouvements sont nés, même après la poussée reçue dans le monde de l'art par le cubisme, qui visent à dépasser la classification des arts. Ozenfant élabore les principes du « purisme » et publie en 1918 avec Jeanneret (Le Corbusier) le manifeste intitulé : « Après le cubisme », dans lequel les formes simples et pures sont promues comme la source première de toutes les sensations esthétiques.

En 1919 Ozenfant et Le Corbusier fondent le mouvement puriste, qui sera diffusé à travers la revue  L'Esprit nouveau. Le purisme établit l'utilisation de formes simples et l'harmonie des procédés de l'art avec ceux de la nature. Le terme «Il Movimento Moderno» fait généralement référence à un développement complexe de phénomènes architecturaux et d'évolutions théoriques qui ont eu lieu entre les deux guerres mondiales.

« Les devoirs de vacances de Ciné papy – été 2022 - III »

Aujourd’hui c’est « Les Mouvements »

Ian  Haydn Smith cite André Bazin célèbre critique de cinéma de la première moitié du XXe siècle : «  La réalité n'est pas l’Art mais un art « réaliste » sait créé une esthétique intégrante de la réalité. »

À ses débuts, on a pu voir le cinéma s’imprégner des mouvements artistiques de son époque : expressionnisme, surréalisme. Mais, avec l’apparition d’un mouvement propre à son art, le néoréalisme en Italie, le cinéma a imposé avec force la spécificité de son art, tout en restant influencé par le reste du monde de l’art.

Voici quelques un des mouvements caractéristiques de ce septième art, illustrés par des films emblématiques.

Expressionnisme allemand                1913 – 1930     

« Metropolis » 1927          de Fritz Lang

Évolution

« Soupçon » 1941 et « Psychose » 1960 d’Alfred Hitchcock

Montage soviétique                        1919 – 1930

« Le cuirassé Potemkine » de Sergueï Eisenstein

Évolution

Le montage illustré par « L’homme à la caméra » 1929 de Dziga Vertov        

Cinéma surréaliste                         1924 – 1932

« Un chien andalou » 1929 de Louis Buñuel

Évolution

On raconte que ce serait l’ancêtre du vidéoclip

Réalisme poétique                          1930 – 1939

« Quai des Brumes » 1938 de Marcel Carné  sont emblématiques « Le jour se lève » 1939 de Carné et/ou « Le Troisième Homme » 1949 de Carol Reed

Néoréalisme italien                        1943 – 1952

« Rome Ville Ouverte » 1945 de Roberto Rossellini

Évolution

« Le Voleur de bicyclette » 1948 de Vittorio De Sica qui est à peu près le dernier du genre

Nouvelle Vague                       1958 – 1973

« A bout de souffle » 1960 de Jean Luc Godard

Évolution

L’histoire d’Antoine Doinel « Baisers volés » 1968 et/ou « Domicile Conjugal » 1970 du même Truffaut

Nouvelle Vague britannique     1959 – 1963

« Les chemins de la Haute Ville » 1959 de Jack Clayton sont emblématiques « La Solitude du coureur de fond »  1959 de Tony Richardson Le mouvement s’est vite épuisé le cinéma britannique devenant plus commercial.

Nouvelle Vague japonaise                    1959 – 1976

« Contes cruels de la jeunesse » 1960 d’Oshima

Évolution

« Profonds désirs des dieux » 1968 d’Imamura

Cinéma Novo                                     1960 – 1974

« Antonio das mortes » 1969 de Glauber Rochas sont emblématiques « Le Dieu noir et le Diable blond » 1964 Le mouvement plus porté sur l’esthétisme que sur l’engagement politique de ses débuts a fini par faire disparaître le mouvement.

Nouvelle Vague tchèque              1963 – 1968

« Au feu les pompiers » 1967 de Milos Forman

Évolution

Le mouvement c’est éteint avec la fin du « Printemps de Prague ».

Nouveau cinéma allemand                  1966 – 1982

« Alice dans les villes » 1974 de Wim Wenders

Au cri de «  Le vieux cinéma est mort » 26 cinéastes, en 1969, signent un manifeste

Évolution

Le peu de moyen, le peu d’intérêt public pour certains films et « l’exil » de certains cinéastes ont fait disparaître de mouvement.

« Le Tambour » 1979 de Volker Schlöndorff

Nouvel Hollywood                          1967 – 1980

« Taxi driver » 1976 de Martin Scorcèse ou quand les studios perdent la main et que les cinéastes avec le fameux «  final cut » s’emparent du pouvoir

Évolution

« Gosford Park » 2001 de Robert Altman

Nouvelle vague hongkongaise  1978 – 1997

« Le Syndicat du crime » 1986 de John Woo

Évolution

« In the Mood for Love » 2000 de Wong Kar-Wai

Cinéma du look                       1982 – 1991

« Diva » 1981 de Jean-Jacques Beineix

Cette expression a été inventée par le critique Raphaël Bassan en 1989 dans un numéro des « Cahiers du Cinéma » sont emblématiques « Subway » 1985 de Luc Besson « Les Amants du Pont-Neuf » 1991 de Leo Carax

Nouvelle vague taïwanaise                  1982 – 1997

« Salé, sucré » 1994 de Ang Lee sont emblématiques

« Un temps pour vivre, un temps pour mourir » 1985 de Hou

Cinquième génération chinoise        1984 – 1996

« Le Sorgho rouge »  1987 de Zhang

Évolution

« Adieu ma concubine »  1993 de Chen (Palme d’or à Cannes)

Dogme 95                                   1995 – 2005

« Les Idiots » 1998 de Lars von Trier

Il fut l’un des initiateurs d’un manifeste * en dix points que les réalisateurs devaient signer. Finalement trente et un film furent réalisés avant la fin du mouvement en 2005

New French Extrémity                 +/- 2000

« Baise-moi » 2000 de Virginie Despentes  ou le cinéma transgressif.

Manquent à cette liste des mouvements plus confidentiels ou étrangers plutôt réservés à des spécialistes. Ainsi par ordre chronologique : « École polonaise » « Nouvelle vague iranienne » « Nouvelle vague australienne » «  Nouveau cinéma queer », « Nouveau cinéma mexicain », « Numblecore », « Nouvelle vague roumaine »

Les amateurs les plus exigeants pourront satisfaire leur curiosité en consultant la « Petite histoire du Cinéma » de Ian Haydn Smith – Flammarion éditeur à laquelle ce devoir de vacances doit beaucoup.

* Je ne résiste pas au plaisir de vous donner quelques un des dix points du Dogme

         1        - tourner sur place, sans accessoire

         2       - en couleurs mais en lumière naturelle sans filtre

         3       - seul le format académique est autorisé. Pas de 16/9

         4       - le son sera diégétique avec sources visibles à l’écran (si on entend de la musique elle doit, par exemple être celle d’un orchestre visible dans le décor)

         5       - pas de représentation de l’action superficielle racontée par un personnage par exemple.

         6       - le film devait se dérouler ici et maintenant

         7       - pas de film de genre      

         8       - pas de mentions de réalisateur

Je suis taquin, je saisis une locution que j’adore en y ajoutant le pluriel, ce qui en change le sens. Mais, pour inaugurer le grand retour de Papy-Ciné il me fallait « décoconner » (expression du regretté défunt Camilleri)

En effet, « Faire genre » c’est : Faire semblant.

 « La maîtresse de maison, pour faire « genre », recevait devant la porte. »

Raymond Radiguet, Le Diable au corps, 1923

Alors que notre Papy-Ciné aborde dans ses derniers devoirs de vacances « Les Genres »

• Quels sont les genres cinématographiques ? voir ICI https://www.ouest-france.fr/cinema/quels-sont-les-genres-cinematographiques-24c805da-b4c8-11eb-b617-49ac21059b35

Papy-Ciné toujours en veine d’originalité nous propose les siens avec ses films cultes en regard.

Vaste programme pour reprendre la formule du Général de Gaulle à qui l’on criait « Mort aux  cons ». En effet, on peut en recenser quelques trente-six sans compter les sous catégories et/ou  sous-sous catégories.

Le choix est vaste qui va des films de guerre aux films anti-guerre. Des films policiers à ne  pas confondre avec les films de gangsters ni avec les films noirs ou les enquêtes policières.  Les comédies seront musicales, romantiques ou loufoques.

On va quand même les passer en revue pour montrer les metteurs en scène qui se sont illustrés  dans l’un ou l’autre genre, voire plusieurs et que les genres, même s’il y a un effet de mode,  traversent les âges.

Le Western

• grande époque « La chevauchée fantastique » 1939 de John Ford - tradition « La prisonnière du désert » 1956 de John Ford - spaghetti « Le bon, la brute et le truand » 1966 de Sergio Leone - par l’esprit « Un homme est passé » 1955 de John Sturges - angoissant « No country for Old Men » 2007 des frères Cohen - gay « Le secret de Brokeback Mountain » 2005 de Ang Lee

Le Péplum

« Ben Hur » 1959 de William Wyler Le Film de guerre « J'ai vécu l'enfer de Corée » 1951 de Samuel Fuller Le Film anti-guerre « La Grande Illusion » 1937 de Jean Renoir Le Film d’action « Piège de cristal » 1988 de John Mc Tiernan Le Film de gangster « Scarface » 1932 de Howard Hawks.

Le Film d’horreur

« L’exorciste » 1973 de William Friedkin La comédie musicale « West Side Story » 1961 de Robert Wise La comédie romantique « Casablanca » 1942 de Michael Curtiz La comédie loufoque « La Dame du vendredi » 1940 de Howard Hawks Mélodrame « Ecrit sur du vent » 1956 de Douglas Sirk Le Film Noir « Le Faucon maltais » 1941 de John Huston Le film pour ado « La Fureur de vivre » 1955 de Nicholas Ray Le Jifaigeki « Les Sept Samouraïs » 1954 de Akira Kurosawa (histoire du japon)

Le film historique

« Le Guépard » 1963 de Luchino Visconti

Slasher « Psychose » 1960 d’Alfred Hitchcock  (sous-catégorie du film d’horreur)

Thriller de conspiration

« Les Trois jours du Condor » 1975 de Sydney Pollack Enquête Policière « Quai des Orfèvres » 1947 de Henri-G. Clouzot

Film féministe

« Sans toi ni loi » 1985 d’Agnès Varda « Jackie Brown » 1977 de Quentin Tarantino

Film catastrophe

« L’aventure du Poséidon » 1972 de Ronald Neame

Road Movie

« Les Fraises sauvages » 1957 de Ingmar Bergman

Film d’arts martiaux

« Tigre et dragon » 2000 de Ang Lee

Blockbuster

« Les dents de la mer » 1975 de Steven Spielberg (ce nom vient de l’importance de la file d’attente au guichet qui pouvait faire le tour du pâté – block – de maisons

Science-fiction

« Soleil Vert » 1973 de Richard Fleischer

Thriller psychologique « M le Maudit » 1931 de Fritz Lang

Film de super-héros « Robocop » 1987 de Paul Verhoeven

Cette liste n’est pas achevée. Il manque ainsi un certain nombre de catégories. Ciné-papy avait  prévenu qu’il ne serait pas exhaustif. Cependant vous les trouverez ci-après pour votre plus  complète information. « Race film » « Documentaire » « Giallio » « Documentaire  parodique » « Film de ghetto » « Cinéma lent »

Les amateurs les exigeant pourront satisfaire leur curiosité en consultant la « Petite histoire du  Cinéma » d’Ian Haydn Smith – Flammarion éditeur à laquelle ce devoir de vacances doit beaucoup.

Remarque :

Les exemples de films illustrant les catégories ne sont pas toujours les plus emblématiques. Par exemple, pour la catégorie « Road Movie » c’est, à l’évidence « Thelma et louise » 1991 qu’il faudrait citer. Mais, nous ne sommes pas ici dans une encyclopédie et/ou un dictionnaire  et on ne s’étonnera donc pas qu’affleurent, ici ou là, les goûts de Ciné-papy

Vidéo à visionner absolument pour le défilé de grands visages du cinéma mondial.

Jamais content le gars ! Note Ciné Papy dans ses « petites fiches de l’été » Le gars c’est Robert Bresson, vous saurez tout sur lui grâce à Ciné Papy qui dans la touffeur, les moustiques pond des chroniques cinématographiques.

Je tiens à le remercier pour sa rubrique pour les costumes de Madame Grès et Elsa Schiaparelli

27 septembre 2006

Mon costar Kennedy  ICI 

Pour ceux qui ne le sauraient pas encore, je suis un type futile. Comme les filles, j'aime les chiffons. Faute avouée est à demi pardonnée aurait dit la tante Valentine comptable des indulgences chez les Berthomeau du Bourg Pailler. Déjà, dans une chronique du 28 septembre 2005 : le beau linge (vous pouvez vous y reporter) j'avais craché le morceau à l'attention des qui m'habillaient pour l'hiver en confection industrielle.

 La semaine passée, j'ai de nouveau succombé à la tentation. Je me suis offert, à la manufacture des beaux vêtements, qui fabrique une mode masculine inspirée de la tradition des stars hollywoodiennes, , un costar bleu encre, petit revers, pantalon tube; pour moi un costar culte. Pour ceux d'entre vous, amateurs de la mode 40ties 60ties, vous pouvez choisir entre les costumes Cary Grant, Sean Connery dans Bond, Steve Mac Queen dans l'affaire Thomas Crown ou l'imperméable d'Humphrey Bogart. C'est de la qualité fabriquée en France et, du côté prix, c'est dans la bonne moyenne, entre 400 à 500 euros.

Aujourd’hui c’est « Les Dames du bois de Boulogne » 1945

Pourquoi ce film ?

Par esprit de comparaison. Il est toujours savoureux de voir ce que d’aucun savent faire à partir d’une même chose. Chacun par la suite pourra choisir son camp. Et pourquoi pas, simplement tourner la page – ce n’est pas pour moi – ou, tel l’âne de Buridan, rester sur le trottoir, ticket en main, sans savoir dans quelle salle entrer ?

Quelle est l’histoire ?

Hélène souffre d'être délaissée par son amant Jean. Elle feint de ne plus l'aimer pour voir sa réaction, et comprend avec horreur qu'il est soulagé par cette révélation mensongère. Ils se séparent, mais Hélène, blessée, décide de se venger. Agnès, la fille de Madame D., est danseuse de cabaret depuis la faillite de sa mère. Hélène paie leurs dettes, installe mère et fille dans un appartement de Port-Royal et organise la rencontre de Jean et d’Agnès au bois de Boulogne, près de la Grande Cascade. Jean s'éprend d'Agnès. Celle-ci repousse d'abord ses avances, puis tente de lui avouer son passé mais sans succès, car Hélène continue de tirer les ficelles.

Cela ne vous rappelle rien ?

Réalisation

Robert Bresson

Robert Bresson est un cinéaste français du genre drôle d’oiseau.

Il a réalisé treize longs métrages et a rédigé un essai important sur le cinéma intitulé Notes sur le cinématographe.

Il a notamment reçu le prix de la mise en scène du Festival de Cannes en 1957 pour « Un condamné à mort s'est échappé », le Grand prix de création en 1983 pour « L'Argent » le prix du jury en 1962 pour « Procès de Jeanne d'Arc », l'Ours d'argent au Festival de Berlin pour « Le Diable probablement » en 1977, et le Lion d'honneur à la carrière en 1989 au Festival de Venise.

En 1943, il réalise son premier long métrage, « Les Anges du péché ». Puis, c'est une lecture de Jacques le Fataliste de Denis Diderot qui lui inspire Les Dames du bois de Boulogne en 1945, avec des dialogues de Jean Cocteau. Déçu dans ses deux premiers longs-métrages par le jeu des actrices comme Maria Casarès, il décide de ne plus faire appel qu'à des acteurs non professionnels qu'il nomme ses « modèles » qu’il emmerdera de prise en prise jusqu’à qu’ils s’expriment exactement comme il l’entendait pour finir par les faires doubler au montage. « Un fâcheux » aurait dit Molière applaudi par Ciné papy

Le film est remarquable par le décalage du son sur l'image : lorsque Maria Casarès raccroche le téléphone et annonce sa vengeance, le son des claquettes se fait entendre, puis l'image d'Agnès (Élina Labourdette) dansant, apparaît, Agnès qui sera le moyen de cette vengeance. Cette technique aujourd'hui courante était à l'époque inédite

En 1951, sort « Journal d'un curé de campagne » adapté du roman de Bernanos. L'adaptation de ce roman permet à Bresson d'affiner son style : il montre la vie, ou plutôt le chemin de croix, du jeune curé d'Ambricourt, juste sorti du séminaire, atteint d'un cancer de l'estomac dans une paroisse qui lui est hostile. Le film se compose de petites scènes de la vie quotidienne (Bresson filme un tonneau, du pain…) reliées entre elles par les mots (écrits ou en voix off) du curé sur son journal, modeste cahier d'écolier, qui ouvre le film. On retrouve ce principe, par la suite dans « Pickpocket » ou dans « Un condamné à mort s'est échappé »1956

En 1956, justement, il présente à Cannes « Un condamné à mort s'est échappé » ou Le vent souffle où il veut, tiré du récit d'André Devigny, et remporte le prix de la mise en scène. Le récit de l'évasion de Fontaine, résistant à Lyon interné à la prison Montluc, est raconté en détail à travers ses moindres gestes. La précision chirurgicale de la préparation de l'évasion et l'insistance sur les gestes en font un film à part. La Messe en ut mineur de Mozart souligne la répétition de la vie quotidienne. Pourtant, Fontaine n'est pas décrit comme un saint, il est prêt à tuer Jost son camarade de cellule et un gardien allemand. De plus, le parcours de Fontaine n'est pas uniquement une évasion sinueuse de nuit dans une prison mais également un itinéraire spirituel pour atteindre la liberté : un pasteur et un prêtre sont également enfermés et soutiennent Fontaine. Le sous-titre, tiré de l'entretien entre Jésus et Nicodème, vient d'un passage de l'Évangile selon Jean (chap. 3). C'est un grand succès public et critique. Eh oui, même Ciné papy est obligé d’en convenir.

Bresson réalise en 1959, « Pickpocket ». Il montre le « drôle de chemin » de Michel, pickpocket persuadé que certains hommes devraient avoir le droit de se mettre au-dessus des lois. La musique de Lully accompagne le film. Le texte en prégénérique annonce : « Ce film n'est pas du style policier. L'auteur s'efforce d'exprimer, par des images et des sons, le cauchemar d'un jeune homme poussé par sa faiblesse dans une aventure de vol à la tire pour laquelle il n'était pas fait. Seulement cette aventure, par des chemins étranges, réunira deux âmes qui, sans elle, ne se seraient peut-être jamais connues. »

En 1962, Bresson réalise le « Procès de Jeanne d'Arc », inspiré du procès de révision de Jeanne d'Arc. Bresson se documente durant des mois avant l'écriture du scénario, il cherche à dresser un portrait authentique et réaliste du procès ; il fait dire à sa comédienne les véritables réponses que Jeanne d'Arc donna lors de son procès. Il obtient le Prix spécial du jury la même année à Cannes. Peut-on appeler ça sodomiser les diptères se demande cet iconoclaste de Ciné papy ?

En 1966, il signe avec « Au hasard Balthazar » un chef-d'œuvre et son film dramatiquement le plus complexe. Jean-Luc Godard, dans un entretien réalisé peu après la sortie du film, aurait qualifié celui-ci de « film-monde », car il réunissait en son sein toutes les facettes de la vie. À travers la vie et la mort de l'âne Balthazar, Bresson tisse une métaphore de la présence du mal dans le monde. Le titre Au hasard Balthazar est une référence à la devise des comtes de Baux, qui se disaient descendants du roi mage Balthazar.

En 1967, il réalise « Mouchette », adaptation du roman de Nouvelle histoire de Mouchette de Georges Bernanos. Dieu sait que Ciné papy « idolâtre » Bernanos mais il se rappelle aussi les roupillions piqués à chaque tentative de visionnage de cette «  Mouchette »

En 1969, Bresson tourne son premier film en couleurs, « Une femme douce », dont la photo est assurée par Ghislain Cloquet, qui avait réalisé les noir-et-blanc de « Mouchette » 1967 et « Au Hasard Balthazar » 1966 Le film s'ouvre sur le suicide d'une jeune femme dont le châle vole au-dessus de la rue. Son mari se remémore leur rencontre et leur vie de couple. L'adaptation de cette nouvelle de Dostoïevski est l'occasion pour Bresson de décrire la vie de la petite bourgeoisie parisienne et de dénoncer le cinéma (qu'il oppose à son art, le cinématographe) lorsque le jeune couple voit dans une salle obscure « Benjamin ou les mémoires d'un puceau » de Michel Deville, ou encore lors d'une représentation de Hamlet de Shakespeare. Dominique Sanda interprète son premier rôle dans ce film. Elle est, avec Marika Green, une des rares interprètes de Bresson à avoir ensuite fait carrière à l'écran.

En 1971, il adapte pour la deuxième fois une nouvelle de Dostoïevski : « Quatre Nuits d'un rêveur » avec Isabelle Weingarten et Guillaume Desforêts.

En 1974, il réalise « Lancelot du Lac », film au budget assez important sur le retour de Lancelot à la cour du roi Arthur après l'échec de la quête du Graal. Le futur producteur Humbert Balsan joue le rôle de Gauvain. Bresson filme en essayant d'éviter la fausse reconstitution historique. Il montre la vie comme s'il filmait celle d'aujourd'hui et sans magnifier les décors et les costumes. Dieu merci, nous avons eu depuis les Monthy Python et Kamellott de cet iconoclaste autant qu’inculte Astier

En 1975, il publie ses Notes sur le cinématographe, un recueil dans lequel il défend sa vision du « cinématographe » qu'il distingue du cinéma. Il pense en effet que le cinéma est du théâtre filmé tandis que le cinématographe invente une écriture nouvelle « avec des images en mouvement et des sons » mis en relation par le montage. Cette notion n'est cependant pas inédite, elle fut déjà utilisée par Marcel L'Herbier – nanana – qui utilisait le terme de metteur en image, metteur en film ou œuvres cinéphoniques contre celui de metteur en scène théâtral. Même si Bresson voulait évoquer plusieurs aspects de l'industrie en opposant le cinéma.

Avec « Le Diable probablement », Robert Bresson obtient l'Ours d'argent au Festival de Berlin en 1977.

Son dernier film, « L'Argent », 1983 est une adaptation d'une nouvelle de Tolstoï, « Le Faux Coupon » Parce qu'un riche fils de famille donne un faux billet de 500 francs à un photographe, un employé entre dans l'engrenage de la prison, du vol, de la déchéance et du meurtre. Sifflé à Cannes, ce film obtient pourtant le grand prix du cinéma de création, en 1983, en ex æquo avec Nostalghia d'Andreï Tarkovski.

En 1995, l'ensemble de son œuvre cinématographique reçoit le prix René-Clair.

Après « le Journal d'un curé de campagne, » Bresson travaille en priorité avec des acteurs non professionnels, qu'il appelle des modèles.

Le modèle ne doit jamais avoir fait ni théâtre ni cinéma afin de donner au réalisateur la possibilité de le "modeler". Son principe-guide était : « L'automatisme engendre l'émotion ». Marika Green, la Jeanne de « Pickpocket », raconte que presque tous les modèles devaient faire leur "apprentissage de modèles", voire se dépersonnaliser, en lisant le texte de « Les Anges du péché » : « Il fallait le lire tout à plat, de la façon la plus neutre possible ». Et Anne Wiazemsky, la Marie de « Au hasard Balthazar », elle aussi passée à travers l'épreuve des « Anges du péché », se souvient que à l'époque elle avait : « spontanément une voix bressonienne, assez blanche, uniforme. Le ton a été donc très facile à attraper. Le tournage fut un des plus beaux étés de ma vie ».

On peut résumer l'idée de Bresson et de son cinématographe en quelques points principaux :

- utilisation de modèles, acteurs non professionnels, n'ayant jamais joué ;

- égalité d'importance entre les images et les sons, travail important du hors-champ à travers la stylisation de ceux-ci ;

- multiples prises afin d'obtenir l'absolu, le caché des modèles, stylisation de leurs voix ;

- pas de balayage de la caméra, travellings le plus souvent de trois quarts, caméra de plus en plus tournée vers les gestes et les mouvements qui assurent les liens [réf. nécessaire].

Jamais content le gars.

Bresson a estimé que Les Dames du bois de Boulogne était trop « joué » alors que Maria Casarès, au contraire, ne le trouve justement pas assez joué.

Il a déclaré au sujet de son film : « C'est un très mauvais film. Je ne tiens pas à en parler et je regrette d'avoir accepté que la télévision le programme »

Cinéaste à part. Exigeant avec les autres comme avec lui-même. Il finit par vouloir se passer de tous et de presque tout regrettant certainement de ne pas pouvoir transmettre son film directement au spectateur comme par Bluetooth ou quelque chose comme cela. Grand succès critique, à l’époque mais aussi public semble-t-il. Aujourd’hui, il appartient incontestablement à l’histoire du cinéma mais que je sache, les reprises sont plus que rares en salle comme à la télévision.

Qui fait quoi ?

Maria Casarès :   Hélène

Elle est une des grandes tragédiennes du théâtre français de 1942 à 1996, également actrice pour le cinéma et la télévision : elle est apparue dans de nombreux classiques du cinéma — dont Les Enfants du paradis et Les Dames du bois de Boulogne —, notamment dans les années 1940 et 1950.

Maria Casarès est considérée comme l'une des plus grandes tragédiennes françaises de la seconde moitié du XXe siècle. Ses prestations au Festival d'Avignon, pour le rôle de Lady Macbeth notamment, restent une référence. Galicienne de naissance et espagnole de nationalité, elle est une des comédiennes de théâtre les plus marquantes des années 1950 et 1960, passant du drame shakespearien à la primesauterie de Marivaux et d'Albert Camus à Tchekhov.

Elle joue dans plus de 120 pièces, aussi bien des classiques que des œuvres contemporaines. André Barsacq lui fait jouer Roméo et Jeannette de Jean Anouilh avec, pour la première fois, Jean Vilar au théâtre de l'Atelier en 1946.

De 1952 à 1954, elle est engagée comme pensionnaire de la Comédie-Française, où elle joue notamment dans des mises en scène de Julien Bertheau, Jean Meyer (créations) ou encore Jacques Copeau (reprise).

Elle intègre ensuite le TNP de Jean Vilar (1954-1959), et devient ainsi l'une des premières comédiennes à donner au Festival d'Avignon ses lettres de noblesse. Elle participe à certaines créations du théâtre contemporain comme Paravents de Jean Genet, en 1966, ou Quai Ouest, de Koltès, en 19864.

La quasi-totalité de sa filmographie est constituée de films français. Certains vont jusqu'à la qualifier de « monstre sacré », expression habituellement réservée à des acteurs ayant une plus grande notoriété que la sienne. Plus objectivement, les cinéphiles s'accordent en général à retenir en priorité les quatre rôles marquants tenus dans les années 1940 : « Les Enfants du paradis » « Les Dames du bois de Boulogne », « La Chartreuse de Parme et Orphée Elle déclare pourtant préférer le théâtre au cinéma :

    « Spectatrice pourtant passionnée et émerveillée devant les acteurs de cinéma qui ont su créer à travers leurs films des figures presque mythiques, peut-être parce que je porte en moi une autre forme de narcissisme, je n'ai jamais pu de l'autre côté de la caméra m'attacher à une telle quête. »

Maria Casarès rencontre Albert Camus le 19 mars 1944 chez Michel Leiris. Ils nouent une relation amoureuse pendant les répétitions du Malentendu, en 1944, où elle joue Martha. L'écrivain, qui met Maria au contact de la Résistance et des exilés espagnols, est pour la comédienne « père, frère, ami, amant, et fils parfois ». La fin de la guerre, le retour d'Algérie de Francine Faure, l'épouse de Camus depuis le 5 septembre 1945, la naissance des jumeaux Catherine et Jean, les séparent : ils rompent. Ils se retrouvent par hasard en 1948 et entretiennent une liaison secrète passionnée qui ne prend fin qu'avec la mort accidentelle de l'écrivain, en 1960.

Pour Albert Camus, Maria Casarès sera « l’Unique » ; et il restera, par-delà la mort, le seul homme qu’elle ait véritablement aimé. Elle fut peut-être le grand amour de sa vie

Claude Jade raconte :

    « En 1980, je jouais Junie dans Britannicus. Maria était Agrippine. Elle fut étonnante. D'un bout de la pièce à l'autre, elle était habitée, frémissante. Sa manière de dire les alexandrins tenait de l'incantation. Elle cassait les vers avec une violence contenue qui éclatait comme une coulée de lave brûlante. Elle était en larmes, les yeux étincelants, la bouche tremblante. Elle se donnait corps et âme. Quelle actrice unique ! »

Élina Labourdette : Agnès

Est une actrice française, née le 21 mai 1919 dans le 16e arrondissement de

Au cours de ses années d’école, Élina Labourdette  prend ses premiers cours de théâtre avec l'actrice Ève Francis. À l’âge de dix-neuf ans en 1938, elle tourne son premier film Le Drame de Shanghaï de Georg Wilhelm Pabst. Elle va ensuite passer six mois en Angleterre où, outre l’anglais, elle suit des cours de théâtre et de chant. René Clair en fait l’héroïne institutrice de son film Air pur mais la guerre arrête le projet. En 1944, vers la fin de la Seconde Guerre mondiale, elle tourne Les Dames du bois de Boulogne avec Robert Bresson, film pour lequel elle est devenue célèbre et reste connue en France. Elle y incarne avec subtilité et une grande modernité de jeu une danseuse de cabaret tombée dans la prostitution, manipulée par une femme désireuse de se venger d'un amant qui l’a éconduite, en le jetant dans les bras de la danseuse.

En 1950, Élina Labourdette rejoint la compagnie de Madeleine Renaud et Jean-Louis Barrault, avec qui elle joue parallèlement à sa carrière cinématographique. Elle fait également du doublage, prêtant notamment sa voix à Grace Kelly dans la version française de « Mogambo » (1953), et « La Main au collet d'Alfred Hitchcock » 1955. Elle joue sous la direction de Jean Renoir dans « Elena et les Hommes » 1956 aux côtés d’Ingrid Bergman et de Jean Marais.

Elle tient un second rôle remarqué dans « Lola » 1961, le premier long métrage de Jacques Demy. Son activité cinématographique s'achève avec « Clair de terre », un film du cinéaste Guy Gilles. Depuis la fin des années 1950, elle est apparue à plusieurs reprises dans des feuilletons et téléfilms français dont le populaire Les cousins de la Constance.

Au cours de sa carrière (1938-1970), Élina Labourdette a travaillé pour plusieurs réalisateurs reconnus, notamment G. W. Pabst, René Clair, Robert Bresson, René Clément, Jacques Becker, Gilles Grangier, Jean-Paul Le Chanois, Jean Renoir, André Cayatte.

Elle a été la seconde épouse du journaliste et écrivain Louis Pauwels de 1956 à la mort de celui-ci en 1997. Ceci pour ceux à qui le nom de Louis Pauwels dit encore quelques choses alors qu’il fut, à son époque ce qu’on appel une grande plume à l’audience certaine.

Paul Bernard :     Jean

Paul Bernard interprète de nombreux rôles pour le cinéma entre 1922 et 1955.

Après l'avoir vu au théâtre, Colette écrit que Paul Bernard est un « charmant jeune premier, dénué d'humour, incapable de se caricaturer lui-même. ».

Lucienne Bogaert :   Madame D.

Lucienne Bogaert a fait l'essentiel de sa carrière au théâtre. Après ses débuts avec Jacques Copeau dans la compagnie du théâtre du Vieux-Colombier, elle travaille avec Louis Jouvet à la Comédie des Champs-Élysées, où elle est très remarquée en 1934 dans le rôle du Sphinx lors de la création de La Machine infernale de Jean Cocteau.

Le cinéma a plusieurs fois employé ses talents de tragédienne et sa diction originale en lui confiant des rôles de mères abusives et inquiétantes, de matrones ou de maquerelles. Trois de ses rôles sont particulièrement notoires : mère maquerelle distinguée d'Élina Labourdette dans Les Dames du bois de Boulogne de Robert Bresson en 1945, mère droguée machiavélique de Danièle Delorme dans « Voici le temps des assassins » de Julien Duvivier en 1956 et mère follement possessive de Jean Desailly dans « Maigret tend un piège » 1958.

Yvette Étiévant : femme de chambre d'Héléne

Fille du comédien et réalisateur Henri Etiévant, elle crée au théâtre de l'Athénée « Les Bonnes » de Jean Genet avec Monique Mélinand, dans une mise en scène de Louis Jouvet, dont elle fut l'une des nombreuses conquêtes. Sacré coco notre Jouvet National car au même moment Monique Mélinand était «  la régulière à Jouvet »depuis 1947 date de la rupture avec Madeleine Ozeray inoubliable Ondine lors de la pièce de Jean Giraudoux

Sans accéder aux rôles de premier plan, elle impose son talent en composant des femmes soumises, discrètes ou frustrées, transcendées par son regard triste : en témoigne son rôle d'épouse de Jean Gabin dans « Des gens sans importance ». Elle est moins à l'aise dans le contre-emploi (allumeuse écervelée dans « La Mort de Belle »).

Son rôle le plus emblématique est celui de la femme de Christian Barbier alias « L'Homme du Picardie » à la télévision.

Et si pour une fois on parlait musique

Jean-Jacques Grunenwald est un organiste, improvisateur, compositeur, pédagogue et architecte français.

Selon Bernard Gavoty, Grunenwald était un « musicien vigoureux et sain » qui laisse des « œuvres qui frappent par la netteté de leur plan, le naturel de leurs harmonies, la fermeté de leur dessin, leur expression mélodique »

Ce qui importe ici c’est le qualificatif vigoureux. De la vigueur il fallait en avoir quand on est choisi comme partenaire un cinéaste modèle de rigueur et d’exigence par ailleurs.

Et aussi du scénariste

Robert Bresson, d'après un épisode de Jacques le fataliste de Denis Diderot

Peut-être du dialoguiste ?

Jean Cocteau

Ou même du costumier

Madame Grès et Elsa Schiaparelli

Pour Madame Grès le style vestimentaire personnel est immuable : des pulls à col roulé et un turban dans les cheveux. À l'inverse de Coco Chanel, elle ne porte jamais ses créations mais des vêtements cousus par ses ouvrières. Elle mesure 1 mètre 50.

Madame Grès a travaillé une étoffe en jersey de soie qu'elle avait commandé spécialement aux fabricants. Le pli Grès est formé pendant la construction de la robe, puis cousu. Il consiste à réduire un lé de tissu de 280 cm de large à 7 cm par la seule création de multiples plis très serrés. Ses robes drapées d'inspiration antique ont fait sa renommée. C'est un des trois types de plis portant le nom de leur créateur.

« Elsa Schiaparelli, nous dit Gertrud Lehnert, est l'une des personnalités les plus brillantes de l'histoire de la haute couture. Elle conçoit la mode comme un art, intrinsèquement lié à l'évolution des beaux-arts, et notamment de la peinture »26. Quand elle arriva à Paris, c’est vers les avant-gardes artistiques qu’elle se dirigea avant de se lancer, sans réelle formation, ce que certains lui reprocheront, dans la conception de vêtements. Elle ne cessa ensuite de fréquenter les surréalistes et elle se montrait parfois, dans ses créations, aussi provocatrice qu'eux tant ses créations n’étaient pas toujours très « faciles à porter » ni très « convenables ».

Elsa Schiaparelli introduit dans l'esthétique vestimentaire de l'époque une dimension artistique, assumant l'excentricité, qui met la dimension fonctionnelle du vêtement en second plan. « C'est une créatrice de concept ». Elle pratique des détournements de fonctions, notamment en transformant un escarpin en chapeau ou des gants avec des ongles1. À propos des fermetures éclair, qu'elle utilisait de façon très « arbitraire », Jean-Paul Gaultier notait qu'« elle fut la première à placer le zip comme élément décoratif… comme une broderie ». Toujours pleine d'inventivité, elle introduisit la jupe-culotte dans la garde-robe féminine et le tweed pour le soir. Elle présentait également des silhouettes avec des épaules rembourrées9, et n'hésitait pas à utiliser des tissus aux tons très vifs, comme un rose auquel elle se plaisait à donner le nom de Rose shocking.

Choquer ne déplaisait pas à Elsa Schiaparelli. En 1936, elle lançait le parfum Shocking dont le flacon conçu par Leonor Fini représente un torse de femme, moulé expliquait-elle, sur celui de Mae West, le sex-symbol hollywoodien de l'époque. Scandale ! Tous ses parfums auront un nom avec la lettre « S », tels « Snuff » parfum masculin au flacon en forme de pipe signé Fernand Guérycolas ou « Le Roi Soleil » au flacon en cristal de Baccarat dessiné par Salvador Dali11. Seul « ZUT » créé en 1948 et dont le flacon représentait les jambes de Mistinguett avec guêpière à sa taille dérogera à la règle.

La couturière réalisait également des costumes pour le cinéma, notamment pour les films « Femmes » 1939 de George Cukor ou « Fifi peau de pêche »1937. Elle habille également Arletty dans « Hôtel du Nord » 1938 de Marcel Carne ou Zsa Zsa Gabor pour « Moulin-Rouge »1952 de John Huston

Rions sous cape

Chapitre inutile. On ne rit pas chez Bresson. Le cinématographe est une affaire bien trop sérieuse pour prêter à rire.

P.S.

En introduction à sa première fiche Ciné papy avait déclaré qu’il ne fallait pas compter sur lui pour parler de la troisième maquilleuse de la seconde équipe qui avait remplacé la première remerciée en raison d’un profond désaccord entre le réalisateur et le producteur.

Mais là, vous m’excuserez il me faut tirer à la ligne

Et pourquoi pas, pour une fois aussi des décorateurs

Max Douy assisté de Robert Clavel

Max Douy débute comme assistant décorateur en 1932 et travaille auprès d'Eugène Lourié lors du tournage de La Règle du jeu de Jean Renoir. C'est avec Jacques Becker, en 1942, qu'il devient chef décorateur.

Il collabore de façon suivie avec Claude Autant-Lara, réalisant un travail minutieux pour Le « Rouge et le Noir ». Il participe à la réalisation du film à sketches « Les Sept Péchés capitaux » et à « French Cancan » de Jean Renoir1

Robert Clavel Il devient lui-même chef décorateur sur « Tous les chemins mènent à Rome » 1949 de Jean Boyer, avec Micheline Presle et Gérard Philipe, dont Léon Barsacq est maquettiste, puis « L'Invité du mardi » 1950 de Jacques Deval, avec Bernard Blier et Madeleine Robinson) et « La Valse de Paris » 1950, de Marcel Achard avec Yvonne Printemps et Pierre Fresnay. Parmi ses films notables dans la vingtaine d'années qui suit, mentionnons « L'Amour, Madame » 1952 de Gilles Grangier, avec Arletty et François Périer, « Le Comte de Monte-Cristo » 1954 de Robert Vernay, avec Jean Marais et Lia Amanda, « Signé Arsène Lupin » 1959 d'Yves Robert, avec Robert Lamoureux et Alida Valli, ou encore « Belle de jour de Luis Buñuel » 1967, avec Catherine Deneuve et Jean Sorel.

Les réalisateurs avec lesquels Robert Clavel collabore le plus durant sa carrière (comprenant près de quatre-vingts films français, parfois en coproduction, sont Henri Verneuil , douze films, dont « Un singe en hiver » 1962, avec Jean Gabin et Jean-Paul Belmondo et André Cayatte ,dix films. Ce dernier réalise notamment les quatre derniers films du chef décorateur, « Verdict » 1974, avec Jean Gabin et Sophia Loren, « À chacun son enfer » 1977, avec Annie Girardot et Bernard Fresson. « La Raison d'État » 1978, avec Jean Yanne et Monica Vitti, et enfin « L'Amour en question » 1978, avec Annie Girardot et Bibi Andersson.

Pax

Prochainement « Ailleurs l’herbe est plus verte »